MUSICA DEL RENACIMIENTO

Descripción
La creciente dependencia del intervalo de tercera como consonancia es una de las características más pronunciadas de la música renacentista (en la Edad Media, los intervalos de tercera habían sido considerados como disonancias). La polifonía, usada desde el siglo XII, se volvió bastante elaborada, con un creciente número de voces independientes durante el siglo XIV. El principio del siglo XV trajo consigo la simplificación, con las voces esforzándose a menudo por ser más suaves. Esto fue posible debido al gran aumento del rango vocal en la música, a diferencia de la Edad Media en la cual el rango estrecho hizo necesario el cruce frecuente de las partes requiriendo así de un mayor contraste entre ellas.
Las características modales (opuestas a las tonales) de la música del Renacimiento comenzaron a agotarse hacia el final del período con el uso creciente de intervalos de quinta como movimientos raíces. Desde entonces esto se ha convertido en una de las características de definición de tonalidad.

Géneros
Las formas litúrgicas más importantes que se mantuvieron durante el Renacimiento fueron las misas y los motetes, con algunas innovaciones hacia el final (por ejemplo, en la misa el método imitativo reemplazó a la técnica de un único cantus firmus, y se pasó a componer para 5 ó 6 voces), que se produjeron a medida que los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas no religiosas (como el madrigal) para sus propias composiciones. Las géneros sagrados más utilizados fueron la misa, el motete, el madrigal espiritual y el laude.
Durante este período, la música religiosa tuvo una creciente difusión, con una amplia variedad de formas, aunque comparando con el período de la Edad Media, esta explosión se explica por la difusión a través del medio impreso. Es probable que una gran cantidad de música popular del Medioevo tardío se haya perdido debido a la falta de documentación. La música no religiosa del Renacimiento incluye cantos para uno o varias voces, en formas como la frottola, la canción, el madrigal, la caccia, la canción en sus diferentes formas (rondeau, virelai, bergerette, balada) la canzonetta, el villancico, la villanela, la villota, y la canción de laúd.
La música instrumental incluye la música para conjuntos de flauta de pico, viola y otros instrumentos así como danzas para varios conjuntos. Los géneros más comunes fueron la toccata, el preludio, el ricercar y la canzona.
Los conjuntos instrumentales podían tocar una bajadanza, una pavana, una gallarda, una alemanda o una corriente.
Hacia el final del período, aparecen los primeros antecedentes dramáticos de la ópera tales como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.

Teoría y notación
Las composiciones del Renacimiento estaban escritas únicamente en particellas; las partituras generales eran muy raras, y las barras de compás no se usaban. Las figuras eran generalmente más largas que las usadas en nuestros días; la unidad de pulso era la semibreve, o redonda. Como ocurría desde el Ars Nova cada breve (cuadrada) podía equivaler a dos o tres semibreves que podría ser considerada como equivalente al "compás" moderno, aunque era un valor de nota y no un compás. Se puede resumir de esta forma: igual que en la actualidad, una negra puede equivaler a dos corcheas o tres que se escribirían como un "tresillo."
En la misma lógica se puede tener dos o tres valores más cortos de la siguiente figura, la "mínima," (equivalente a la moderna "blanca") de cada semi-breve. Estas diferentes permutaciones se denominan "tempus perfecto/imperfecto" según la relación de breve-semibreve, "prolación perfecta/imperfecta" en el caso de la relación semibreve-mínima, existiendo todas las combinaciones posibles entre uno y otro. La relación tres-uno se llamó "perfecta," y la dos-uno "imperfecta." Para las figuras aisladas existían reglas que reducían a la mitad o doblaban el valor ("imperfeccionaban" o "alteraban," respectivamente) cuando estaban precedidas o seguidas de determinadas figuras. Las figuras con la cabeza negra (como las negras) eran menos habituales. Este desarrollo de la notación mensural blanca es el resultado de la popularización del uso del papel, en detrimento del pergamino, más débil y que no permitía el rasgado de la pluma para rellenar las notas; notación de épocas precedentes, escritas en pergamino y en color negro. Otros colores, y más tarde, el rellanado de las notas (ennegrecimiento) fueron usados para indicar imperfecciones o alteraciones.

Música media del Renacimiento (1467-1534)
Hacia el final del siglo XV, la música sagrada polifónica (según lo ejemplificado en las misas de Johannes Ockeghem y de Jacob Obrecht) había llegado a ser de nuevo más compleja, de una forma que se puede quizás correlacionar con el detallismo imperante en la pintura de la época. Ockeghem, particularmente, estaba encariñado con el Canon, contrapuntal y mensural. Incluso compuso una misa en la cual todas las piezas se derivaban canónicamente a partir de una línea musical.
Durante las décadas de inicio del siglo siguiente, la convención musical de un tactus (pensar en la firma del tiempo moderno) de dos semibreves-una breve comenzó a ser tan común como el de tres semibreves-una breve, como había sido habitual hasta entonces.
Al comienzo del siglo XVI, se aprecia otra tendencia hacia la simplificación, como se puede ver en cierto grado en el trabajo de Josquin des Prez y sus comtemporáneos de la escuela franco-flamenca. Lo mismo se observa posteriormente en el de Palestrina, que reaccionaba parcialmente a las restricciones del concilio de Trento, que desalentó la polifonía excesivamente compleja que impedía la comprensión del texto. En el siglo XVI, la escuela franco-flamenca se alejó pronto de los sistemas complejos del juego canónico y mensural de la generación de Ockeghem, tendiendo hacia la imitación de secciones y a los duetos o tríos dentro de una textura total que llegó a incluir cinco y seis voces. Incluso antes de las reformas del concilio de Trento, se comenzaró a cantar notas que alargaban la homofonía para subrayar el texto o puntos importantes de la articulación. Palestrina, por otra parte, vino a cultivar un fluido estilo libre de contrapunto en una espesa y rica textura en la cual las disonacias eran seguidas por consonancias casi de una nota a la siguiente. Las suspensiones eran moneda corriente (ver contrapunto). En este período, el tactus era generalmente de dos semibreves por breve, con tres por breve para los efectos especiales y las secciones culminantes; se trataba de una revocación casi completa de la técnica que había prevalecido en el siglo anterior.

Música Tardía del Renacimiento (1534 - 1600)
En Venecia, desde 1534 hasta aproximadamente el 1600, se desarrolló un impresionante estilo policoral que le dio a Europa una de las más grandes, más sonóricas composiciones musicales de aquellos tiempos, con los múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes espacios de la Basílica San Marco di Venezia (ver Escuela Veneciana). Estas múltiples combinaciones se esparcieron por toda Europa en las décadas posteriores, empezando en Alemania y propagándose poco después a España, Francia e Inglaterra, marcando el principio de lo que se conoce como la época de la música Barroca.
La Escuela Romana (en Roma) era un grupo de compositores en la cual predominaba la música religiosa, que estaban atravesando la época tardía del renacimiento a la época temprana de la época Barroca. Muchos de los compositores tenían una conexión directa con el Vaticano y con la capilla papal, aunque trabajaron en varias iglesias; estilísticamente ellos eran a menudo contrastantes con la Escuela Veneciana de compositores, un movimiento concurrente que era mucho más progresivo. Por mucho el compositor más famoso de la Escuela Romana era Giovanni Pierluigi da Palestrina, cuyo nombre ha sido asociado por más de 400 años con la tranquila, clara y perfecta polifonía.
El breve pero intenso florecimiento de la música madrigal en Inglaterra, sobre todo a partir de 1588 a 1627, junto con otros compositores que los produjeron, es conocido como la Escuela Madrigal Inglesa. Los madrigales Ingleses eran a cappella, predominantemente ligero en estilo, y generalmente empezaban como copias o traducciones directas de los modelos italianos. La mayoría fueron de 3 a 6 voces.
Musica reservata es un término que se refiere al estilo o a una práctica del desempeño de una voz musical a cappella de la época tardía, principalmente en Italia y el sur de Alemania, envolviendo refinamiento, exclusividad y una intensa expresión emocional del texto cantado.
Además, en muchos compositores se observa una división en sus propios trabajos entre la primera práctica (música en el estilo polifónico del renacimiento) y segunda práctica (música del nuevo estilo) durante la primera parte del siglo 17.

Surgimiento de la música instrumental
El interés por la música instrumental dio lugar al surgimiento de nuevos estilos y formas independientes. Hubo un incremento en la producción y en la calidad; pero este incremento no quiere decir otra cosa más que la música comenzó a escribirse, pues antes la práctica habitual era la improvisación, aunque se siguió practicando en gran medida.
Los instrumentos participaban junto con las voces en la ejecución de la música polifónica, aunque no se sabe en qué medida. Además, mucha música se ejecutaba de forma puramente instrumental. Esto lo sabemos gracias a los libros sobre intrumentos encontrados, que explicaban cómo tocarlos. Gracias a ellos se conocen, también, problemas de afinación, de altura, temperamento u ornamentación. El primer libro conocido es "Resumen de la música en alemán".
Se escribieron numerosos libros para instrumentos tales como la flauta dulce, la chirimía, la corneta, la trompeta, la viola o el sacabuche. Hay que destacar también los libros para instrumentos de teclado como el órgano y el clave.

El laúd
El laúd, surgido en esta época, se convirtió pronto en el instrumento doméstico solista más popular.
Podía ser de diversos tamaños y formas, aunque la común era la forma de pera. Había gran diversidad de materiales, aunque todos tratados con extrema exquisitez artesanal. Tenía una cuerda simple y cinco dobles y el clavijero vuelto hacia abajo. Con él podían ejecutarse acordes, melodías, escalas y gran amplitud de ornamentos. Se utilizaba como instrumento solista con canto y en conjuntos de cámara.
La notación utilizada es la tablatura.
La vihuela de mano es el equivalente español.

Manierismo
A finales del siglo XVI, acabando el Renacimiento, se desarrolló un estilo manierista radical. En música profana, especialmente en el madrigal, había una tendencia hacia la complejidad y hasta el cromatismo extremo (como se observa en las madrigales de Luzzaschi, Marenzio, y Gesualdo). El término "manierismo" se deriva de la historia del arte.

Transición al Barroco
Empezó en Florencia, donde hubo un intento de revivir el dramatismo y la forma musical de la antigua Grecia, con los medios de la monodia, una forma de música declamada sobre un acompañamiento simple; un contraste más notable con el estilo polifónico predecesor sería más difícil de encontrar; esto era también, por lo menos al principio, una tendencia profana. Estos músicos fueron conocidos como la Camerata Florentina.

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